Contemporary Links 4 : James Hyde-Luminous Platforms and Relaxed Seating est un projet spécial inséré dans une installation préexistante basée sur la collection Tracking and Tracing : Acquisitions contemporaines 2000-2005. Grâce à l'ajout de sièges, de tables et d'une sélection de livres, le projet de Hyde est un laboratoire qui permet de remodeler l'expérience du public en modifiant les conditions d'engagement avec les œuvres exposées.
James Hyde est connu pour son utilisation imaginative des matériaux, comme le pigment sur des oreillers surdimensionnés ou de minuscules blocs de bois, des tentures murales faites de sangles de chaises de plage et des meubles d'art en plastique translucide. Alors qu'une grande partie de son travail semble porter sur la condition perceptive des objets, Hyde s'intéresse particulièrement à l'extension des termes de l'expérience de la peinture. Il explore subtilement l'expérience de la vision et de l'observation en se concentrant spécifiquement sur la base matérielle de la peinture, ce qui donne lieu à des approches de la création artistique riches en imagination. Hyde envisage l'activité de la peinture en termes généraux. "Pour moi, la peinture n'est ni un objet ni une pratique, mais une habitude de voir..... Je m'intéresse à la manière dont le mobilier construit la figure. Cela vient de préoccupations picturales. J'ai souvent été plus intéressé par les qualités picturales du support de la peinture que par sa surface. Mes meubles peuvent être considérés comme des abstractions picturales d'un panneau de peinture".
Par exemple, Hyde a réalisé des fresques sur polystyrène et des peintures dans des boîtes en verre qui peuvent, en un sens, être considérées comme des successeurs des peintures murales et des vitraux du début de la Renaissance. Ses meubles aux formes géométriques minimales font référence aux styles modernes du XXe siècle, le suprématisme russe et De Stijl, des mouvements qui ont remis en question les frontières entre l'art et l'objet utilitaire dans le cadre du formalisme opératoire. Il est également redevable aux artistes minimalistes des années 1960 et 1970, tels que Donald Judd, Dan Flavin et Scott Burton, qui ont poussé plus loin l'orthodoxie du modernisme en transformant l'apparence de fonctionnalité en un mode d'exploration d'une relation phénoménologique avec l'œuvre d'art, où l'utilisation et la non-utilisation deviennent moins un critère de distinction entre l'art et le design et plus une mesure des points communs entre les deux. L'historienne de l'art et philosophe Christine Buc-Glucksmann suggère que "ce n'est pas l'infini transcendant des fresques de Giotto, ni cet autre infini blanc, vide et cosmique de Malevitch, mais des infinis multiples et variés... qui s'ouvrent sur un champ de forces réelles et virtuelles, là où la peinture est impliquée". Une topologie, en somme, dans sa matière et dans ses moyens, qui vide le tableau de ses substrats ontologiques et de sa portée traditionnelle - toile et châssis - au profit de son devenir multiple, matérialisé et abstrait."
